感想 「フィンランド・デザイン展」いってきました

サントリー美術館で開催されていたフィンランド・デザイン展。
見過ごしてもいいかなあ、くらいのテンションでしたが、美術館を出るころには“間に合ってほんとうによかった”と大絶賛で会場を後にしました。

内容も構成もいつもどおり、さすがサントリー美術館ならではの、安定感と楽しさと新発見があり、なおかつ今回はとても美しい展覧会でした。

フィンランド。といえば北欧。
北欧。北欧。。

シンプルで、あったかみがあって、おしゃれな、あれでしょ北欧ってやつは。

というくらい、私のなかではその実態よりも、「北欧」の響きのほうが先行していて、これまでしっかりモノを見たり、考えたりすることはありませんでした。今回見たのは、デザイン史にも名を刻む人たちのガラスを中心にした作品や製品で、それこそ有名なものばかりですが、まあ全く知りません。あとでいろいろ知るうちに、自分が知らなすぎたことにビックリするくらい０からのフィンランドデザイン。
改めて、というかはじめて、「北欧」なるもの、そしてフィンランドに意識を向ける機会になった展覧会でもありました。

iittalaのサイト。す、すてきがいっぱい。

現代にあふれるデザインされたプロダクトを見ると、結果論ではどれも洗練されていて何を北欧デザインとするのか、曖昧に思えるところもあります。

でも時代を遡り、デザインの黎明期・躍進期・黄金期とみていくうち、フィンランドデザインにひそんでいる何かを感じずにはいられませんでした。

例えば日本のものには、どこか繊細なところとか、自然的なものとか、生真面目なところとか、なにかがあって、あ・これは日本だなというバランスがある。そういう感じで時代順にガラス製品をみていくと、ぶれないフィンランドらしさが貫かれていました。

フィンランドを代表するガラスメーカー「イッタラ」のコンセプトは、against throwawayism。フィンランドにおける生活用品は、timeless designを念頭に作られているといいます。使い捨て主義に反し、時代を超えて生き続ける美を日々の暮らしで使うモノに与える。

それがフィンランドの永遠の定番としてあるんだ、と思っていたのですが、フィンランドのデザインが台頭してきたのはここ1世紀くらいのことだそうです。というのもスウェーデンの支配とロシアからの統制を受け、国として独立したのが1917年のこと。
なのになぜこんな確固と潜むものがあるの？ フィンランドのガラスの世界をみていると、単に「時代を越えたデザイン」という言葉だけでは片付けられないものがあるようです。ぶれないというか、根底に流れているスピリット。100年くらいで築き上げられたとは思えない、はるか昔からのその土地の精神性みたいなものが一緒になっているように感じます。

たまたま本屋さんでこの本を見ました。


『フィンランド・森の精霊と旅をする - Tree People -』

ちいさい、ちょっとした詩集のような雰囲気の本。
Tree peopleというくらいなので、木と人のことが書いてあったのですが、フィンランドでは木というのが人間にとって特別な存在で、自分の分身の木や、家族を守る守護の木というのがあり、何かあるたび自分の木を訪れたりと、人生と深く関わる木に信仰のようなものがあるそうで、なんとすてきで素晴らしい信仰なんだと感動してしまいました。
木や自然とつながりが深いからか、今回見た作品の中にも自然を感じさせるモチーフがあり、そんなところが日本のわたしたちからすると親しみが湧きやすくて、ほっとするところなのかもしれないです。

さらに一見美しく幻想的になイメージのフィンランドも、実際は気候風土が厳しく、歴史的にも長く苦しい暮らしを余儀なくされてきたとありました。
そんな時に支えになったのが‘Sisu’という言葉。負けない心という意味だそうです。厳しい環境が、ずっと使い続けられる、タイムレスなモノを生み出す源泉ともなり、長く使えるものにするからこそ無駄が省かれたデザインに。そこには機能的という側面も備わり、無駄を省くことでつまり洗練されていく。そんなところから生まれてきたフィンランドのデザイン。

Kaj Franck 1609 1610

人の暮らしと、自然と、時代と、環境と。

様々な複合要素があって、同じ人間なのに全く違うものを生み出す人々がいること、世界のはしからはしまで、みんな違ったものを生み出す文化を持っていること。人間のバラエティに富んだクリエイティブを見るのはやっぱり楽しいなあとしみじみします。

日本では決して生まれないような配色、感覚、透明さ。
違うところに育ったのに、例えばカイ・フランクは、濱田庄司とも親交があり何かを分かり合ってたなんて話も聞くと、同じ人間だからこそ同じく共感する部分があるということも面白く。

そしてまさにフィンランドデザインは「用の美」。
デザインやモノの世界に頭をめぐらせては、毎度柳さんのところへ帰ってきてしまう。自分の中でも柳さんの考えはけっこう大事なものになってきているようです。

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最近引っ越したら、モノについて考えることが多くなった今日このごろ。
家の中にはずいぶん「使い捨て主義」のモノがあるなあと見回したり。でも、デザインの段階で反使い捨て主義として作られたものでなくたって、モノを大切にするという心がまず私たち日本人には備わってるじゃないか、とも思ったりする。
結局ステキなものもすぐ捨ててしまえば使い捨てになり、何でもないものでも大事に使い古せば以前にみた坂田さんの古道具になったりする。どこの段階でもモノを救うタイミングはあるんだなあと。

それにしてもまずはモノを見つめないといけない・・
引っ越して特にそういう気持ちが表面化しているけど、これをずっと使っていこうとか、何を選ぼうとかって大変なことなんだなあと実感しています。新しいものを買うとか、使い方とか考えていると、モノを根本的に見つめる作業がふえます。
モノをじっと見てその存在について考えることは、必然的に「生活していこう」と前向きに思う事でもあり・・。
でもこれってもっと早くから必要だったことだなと悔やんでもいます。

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展覧会ではオイヴァ・トイッカさんの鳥をパシャパシャ激写できるコーナーがあって、みんな夢中で写真を撮っていましたがこれは楽しかったー。iphoneが鳥だらけになりました。

そしてカイ・フランクさんのことを深く知りたくて、すてきな本があったのですがお高いんです。

Kaj Franck　Muotoilija Formgivare Designer

あきらかに本としてすてきなんですけどお高いんです。

感想 「田中一光とデザインの前後左右」いってきました

21_21DESIGN SIGHTで開催中の、「田中一光とデザインの前後左右」展へいってみました。

日本を代表するグラフィックデザイナー、田中一光さんが亡くなって10年。その幅広い仕事の数々を振り返る展覧会でした。まったく知らなかったので、田中さんが手がけた装幀本、ポスター、企業のロゴなどをはじめとしたクリエイティブを見て、あれも？これも？と、馴染みのあるデザインが実は田中さんによるものだったと知り驚きました。

　　

経歴を見ていると、田中さんの活躍が大きく展開していくのは1960年代ころから。ちょうど日本の経済成長とリンクするように、日本のデザインシーンの発展を牽引してきたという人。

存命であれば、82歳。ちょうど自分の祖父母と同じくらいの歳ですが、田中さんの力強いグラフィックデザインの世界を見ていると、こんなカラーで彩られた時代をうちのおじいちゃんは生きてきたのかしら、と同じ時代を生きた人とは思えない。。

力強さ。田中さんのデザインによるものや、田中さんの作った「光朝」フォントを見ていると、切れ味鋭い洗練された強さを感じました。それはやっぱり時代の感覚からなのか、現代っ子の、特にわたしには少し強すぎると感じるほどに。
あくまでデザインなので自己を表現するものではないにしても、一寸の狂いもないほどに計算された文字やそのフォルム、配置されたすみずみからピリっと凛々しい一本筋が感じられました。もしかすると時代云々のせいというより、自分自身がふわっと曖昧だからこそそこに微妙な反発を感じたのかもしれません。


「デザインの前後左右」という展覧会タイトルは、
「前」　 今日感覚から展望した未来
「後」　 日本の古典と市民文化の継承
「左右」 国際・地域交流とグローバルな視点など
を意味するそうで、田中さんの同名の著書からつけられたタイトルだそうです。
（朝日新聞デジタル：伝統と未来への視線　「田中一光とデザインの前後左右」展）

『田中一光とデザインの前後左右』

この本は今回読んでいないですが、その他の田中さんの本を2冊手に取ってみました。

『田中一光自伝 われらデザインの時代』2001

あまりにもあっけらかんとしたというか、想像していた自伝の感じとは違ったのでちょっと驚いた本でした。そして自分の本は装幀をそこまで凝らなかったのかなという不思議もあり。
深く内省するような内容ではなく、どちらかというと辿ってきた人生の要所要所がたんたんと綴られたような本になっていました。

『田中一光の文字とデザイン (アート・テクニック・ナウ)』1994

こちらは「アート・テクニック・ナウ」という技法書シリーズの中の19巻目にあたるもの。技法ガイドということもあって、こちらのほうがデザインに対して様々述べられていたためおもしろかったです。デザイナーさんというのは職人さんなんだなあと実感した一冊。
職人さん気質だからこそ、自己の世界に向き合っていくアーティストと違って、自伝よりも技を語った本のほうが面白かったのかなと思ったりしました。


「デザイン」についてネットのある文章を読んでいたら、
「デザインが良いのは当然」となったときに、人々のデザインへの意識が消えるようだ。といった事が書かれてありました。
（JDN　デザイン ゼミ　補足説明　「デザイン」という言葉）

じゃあ「なんとかデザイン」という言葉が世の中に今あふれているということは、何か良くないものがいっぱいあるからなの？　と思ってしまいます。

「デザイン」という言葉が元々日本に入ってきた時、日本語では「意匠」という語がその訳としてあてられたそうです。本来、“ある目的のために計画をしたことを可視的に表現する”というのがデザインの意味だそうですが、訳語としての「意匠」は外観を美しくするため、という表面的に工夫をする意で理解がされてきたそうです。
「意」「匠」と字をそのまま捉えたほうが、本来のデザインの意味に近いような気がするところを、なんとなく惜しい解釈です。そして「デザイン」という語に対する日本語がそもそもなかったことについては、それだけを考えていくととてもおもしろい話になりそうです。

とはいえ、今は「デザイン」のあふれる時代。
かつて物事がもうすこしシンプルだった時代と比べると、今では社会や生活や情報がずいぶん複雑化されきて、それらをもっと心地いいものにするために今「デザイン」がたくさん必要とされてきているのかな、とあふれている「デザイン」の言葉について思うことでした。

田中さんのものを今回色々見たなか、なんだかこれがとても素敵だなと思ったものです。
『アート・テクニック・ナウ』の最後のページにあった活字と手書きの合体。